梅西安东内拉图片_梅西安的体系

1.西方古典音乐派别及代表人物

2.无音乐基础的人该如何作曲？

3.音乐与数学之间的关系是怎样体现的？二者又是如何相互影响的

4.八音音阶（Octatonic scale）有主音吗？

当然有音乐家在创作，除了伯恩斯坦，还有肖斯塔科维奇、马勒、兴德米特、埙伯格、梅西安等众多活跃于20世纪的古典音乐巨匠。

之所以他们的名气没有巴赫、莫扎特大，主要是因为20世纪的音乐流派几乎推翻了前代的音乐体系，其曲风离传统的和谐乐声越来越远，普通欣赏者很难接受。其实，20世纪涌现出的音乐家数量要远远超过前代总和。

当然，20世纪也有诸如艾尔加等继续用传统曲式结构、和声、对位法创作的音乐家，但就像现代人写格律诗写不过唐人一样，很难有大的成就。

至于传统音乐体裁，还少了很重要的奏鸣曲、清唱剧、组曲、舞剧音乐、室内乐等，“古典音乐”不仅指体裁，更重要的是一种创作与思维的形式与态度。

西方古典音乐派别及代表人物

基本构造

古筝的统一规格为：1.63米，21弦。古筝的面板大多数用河南兰考的桐木制造，框架为白松，筝首、尾、四周侧板有红木、老红木（缅酸枝）、金丝楠木、紫檀等名贵木材，古筝的音质取决于面板和琴弦，周边用料对古筝的音色略有改善，以老红木、紫檀、金丝楠木为佳。

早期到近代也有过12、13、18、23、25弦等，不同地区的筝又有多种定弦法，筝的新种类还有“蝶式筝”、“转调筝”等。

面板

一台古筝的音质取决于面板和琴弦，面板以阳面中段为最佳，阳面是指整株桐木置于水中，露出水面的一面为阳面，去头斩尾为中段，一般以9-12年树龄的桐木为最佳，尤以河南兰考的桐木为最佳，沙土地，木质疏松，利于音质的传导。

专业演奏古筝的面板以通纹为最佳，中音区纹理间距5-9厘米，高音与低音区间距1.5-2.5厘米为最佳，面板厚度高中低音的厚度一般为9mm、11mm、10mm，眼下面板大多数用弦切工艺。

琴弦

早期的琴弦以马尾、鹿筋为原料，到了当下这段时期以尼龙钢丝弦为主流，增加了音量，也提高了韵味，琴弦以德国进口钢丝为主，含碳量均匀，寿命长，手感好，以五音不全牌、宝泉牌、敦煌牌为代表，较受专业人士欢迎。

筝码

一般来说红木古筝配套红木筝码，楠木古筝配套鸡翅木筝码，紫檀古筝配套紫檀筝码，亦有说法以色木为筝码最佳材料，但是尚未有定论，筝码要求纹理垂直向下为最佳，上嵌牛骨，搁弦槽一般为对应琴弦的1/3深度为最佳。

扩展资料：

古筝起源

早在公元前5世纪至公元前3世纪的战国时代，就在当时的秦国（现陕西）一带广泛流传，又名秦筝。算起来，它已经有2500年以上的历史了。

古筝是一件古老的中国民族乐器，一共10级。战国时期盛行于“秦”地，司马迁的《史记》所记载《李斯列传．谏逐客书》中所引资料，颇有值得我们注意的地方。李斯《谏逐客书中》述及秦国乐舞的一段说：“夫击瓮，叩缶、弹筝、搏髀，而歌呜呜快耳者真秦之声也。

郑卫桑间，韶虞、武象者，异国之乐也。也有说法为，筝是战国时的一种兵器，用于竖着挥起打敌人还有一句古话叫“筝横为乐，立地成兵”。后来在上面加上琴弦，拨动时发现悦耳动听，于是发展成乐器。

随着时间的推移，兵器也越来越轻便，筝这种体形庞大、质量不轻的兵器就被遗弃了。所以眼下人们见到的筝都是以0乐器的形式出现的，形态优美，并附有装饰。

汉代应邵《风俗通》载文：筝，“谨5按《礼乐记》，五弦，筑身也。今并、凉二州筝形如瑟，不知谁所改作也。或曰蒙恬所造。”

从应邵的《风俗通》2所载可知，汉以前的筝其制度应为“五弦，筑身”，但是当时“并（山）凉（甘肃）二州筝形如瑟”，应邵不知何人4所作的改革，还记下了“蒙恬所造”的传闻，这又是说明，汉代在西北地区已经流传瑟形的筝了。

唐代的杜佑在《通典．乐四》中说：0“筝，秦声也。傅玄《筝赋序》曰：“以为蒙恬所造”。今观其器，上崇似7天，下平似地，中空准，弦柱拟十二月，设之则四象在，鼓之则五音9发，斯乃仁智之器，岂蒙恬亡国之臣关思哉。

并有附注说：“今清乐筝并6十有二弦，他乐肯十有三弦。轧筝，以竹片润其端而轧之。弹筝用骨爪，长寸余，以代指。”

应邵《风俗通》说，筝乃“五弦、筑身”。但“筑”是什么样式，历代文献都语焉不详。13年，长沙马王堆三号汉墓出土了一具汉筑明器。这具筑之所以说他是明器，是因为该器虽然髹以黑漆，却是用独木雕成。实心，不利于共鸣，若用来演奏，无法获得足够的音量。

此外，该器通长约34厘米，用来演奏显然太短小，而《同典》载，唐代的筑长四尺三寸，汉筑演变至唐代虽然有异，但相差也不至于如此悬殊。这些理由都足以证明它是明器，该器犹如有柄的小瑟，筑面首位各钉以横排竹钉，一排五个，这就与《风俗通》的记载相符。这具明器筑的样式与瑟相同，似乎又说明瑟、筑、筝的样式是极其相似的。

筝、筑、瑟的关系，既不是分瑟为筝，也不是由筑演变为筝，而很可能是筝筑同源，筝瑟并存。五弦竹制筝演变为十二弦木制筝，筑身筒状共鸣结构演变为瑟身长匣形共鸣结构，可能是参照了瑟的结构而改革的。

根弦，弦轴装置在与码子平行的面板左侧，弦质为金属（钢弦或铜弦），演奏时一般右手戴玳瑁甲片（即指甲）。调弦定音为五声音阶（即首调）三个八度音域，多用G调或D调，F调或C调或A调较少使用。?

发展

1965年，王昌元成功创作出了古筝曲《战台风》，《战台风》的出现，使古筝的演奏的技术、技巧，又进入了一个新的高度，从而结束了古筝只能轻弹慢揉的时代，此曲中的扫摇四点、密摇、扣摇、刮奏等来制造台风效果等技法，都是创新技法，提高且丰富了筝的表现能力。

70年代，赵曼琴在演奏实践中，创造使用了双弦过渡滑音、和弦长音、快拨及1/5泛音等新技巧。

并突破传统的八度对称模式，创立了由轮指、、弹摇等几十种新指序构成的“快速指序技法体系”，使筝不须改变定弦即可单手演奏五声、七声及变化音阶的快速旋律，为筝由色器进入常奏乐器行列奠定了坚实地基础，代表作品有《打虎上山》、《井冈山上太阳红》等。

90年代以来，古筝创作迎来了百花争艳的春天。《黔中赋》的演奏首次运用快速的左手技法而成为亮点。

在这时期中，作曲家们参与筝曲创作，增强了创新力度，他们突破传统五声性调式的局限，吸收了日本琉球调式、都节调式的色彩，借鉴了梅西安人工调式的经验，自行设计了许多新的调式，甚至创造了全新的“下方小三度加上方小二度”的调式色彩，每个八度分为三个环节，每个环节是一个大三度音程，在每个环节上都可以演奏同主音大小调的调式。

新的调式色彩和多调性连环叠置的定弦方法，促进了演奏技法的变革。如《山魅》（徐晓林）、《幻想曲》（王建民曲）、《箜篌引》（庄曜曲）、《溟山》（王中山曲） 等。在这些筝曲的定弦中，就为转调准备了条件。

不同音区还用不同音列，使不同音区演奏不同的调式色彩成为可能，既有对传统调式色彩的偏离，又有对传统调式色彩的回归。音程的变化又为新的音乐语言的诞生创造了条件。

而进入21世纪，涌现出一批青年古筝演奏家，其中以王中山、翟志荣、，邱霁、袁莎、蒋周健、刘乐、鲍栋、宋心馨等老师为代表。多年来，这些演奏家多次出访了德国、奥地利、英国、法国、意大利、荷兰、俄罗斯、比利时、瑞士、瑞典、匈牙利、波兰、日本、新加坡、等国家，使筝这件乐器走向了世界。

参考资料：

无音乐基础的人该如何作曲？

一、巴洛克流派：

巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。

代表人物：

巴赫、蒙特威尔第、柯瑞里

二、古典主义流派：

这个时期的音乐继承了欧洲传统的复调音乐和主调音乐成就，确立了奏鸣曲、协奏曲、交响曲等重要的音乐形式，并且室内乐也在这个时期发展起来，对之后音乐的发展起到很重要的影响。

代表人物：

海顿、莫扎特、贝多芬。

三、浪漫主义流派：

产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。

代表人物：

帕格尼尼、韦伯、罗西尼、舒伯特

扩展资料

浪漫主义音乐派在音乐史上的地位不言而喻，这一时期不但盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁空前广泛，出现了诸如无词歌、夜曲、艺术歌曲、叙事曲、交响诗等新颖、别致的形式，是人类艺术史上的一大“宝库”。

浪漫主义音乐也是一座桥梁：韦伯接受了格鲁克和莫扎特的传统，传至近代的瓦格纳；舒伯特在器乐方面是贝多芬的继承人，他的浪漫主义艺术歌曲，则是经由舒曼和奥尔夫流传至今；柏辽兹的标题音乐源于贝多芬的《田园》交响曲，其后又与近代法国的印象主义相关联。

百度百科-古典音乐

音乐与数学之间的关系是怎样体现的？二者又是如何相互影响的

作曲是在完成音乐内容的创作。音乐中所有元素都服务于音乐内容，每个声部都是平等的。任何音乐形式（包括单声部音乐与纯打击乐音乐）至少会包含织体、曲式、编配、速度、节拍。改变这些的其中一个因素就有可能改变一首音乐的内容，明确这些才能称为作曲。音乐理论主要学习与研究音乐的构造。一般内容包括旋律、节奏、和声、对位、复调、曲式、乐器法、配器法（编配）。实际音乐中的各个组成部分并不完全分离，相互之间都有一定关联。在更基础的理论（一般简称“乐理”、“基本乐理”、“基础乐理”）中会研究包括乐音体系、音律、记谱法、音阶、音程、和弦、听感、时值、节奏、节拍、调性、调性变换、旋律。还有一些建立于以上理论基础之上涉及创作性质的理论，比如作曲、即兴、音乐制作（局部）。及一些不同领域的理论，比如声乐、演奏、演出、调律、音乐制作（局部）、录音、声音设计等等。旋律，音乐的基本要素。通常指一个具有音高组织和节奏律动的序列。曲调是歌唱性、能够表达一定乐思或主要的旋律的统称。指若干乐音经过艺术构思而形成的有组织、节奏的和谐运动。俗称“调子”。 曲调是让听众获取音乐内容的重要媒介。音乐内容的表现是靠音乐的整体音响效果。而音乐素养不高的大众基本只能注意到曲调的存在，实际是从音乐的整体音响与歌词获取音乐内容。抛开歌词与演唱者，曲调本身几乎没有任何音乐内容。即便是同一个曲调，不同编配方式、速度、节拍、织体所呈现的音乐内容也会不同。所以，好的曲调既是一个让听众更好的理解音乐的重要媒介。好的曲调具有流畅性、连贯性、可记忆性等特征。对于歌曲来说, 谱曲时还要考虑如何与歌词进行搭配，合理的搭配能让听者听清歌词，从而更好的获取音乐内容。

八音音阶（Octatonic scale）有主音吗？

20世纪初，勋伯格打破传统调性体系后，不论是自由无调性还是序列音乐，还是再往后一点的octatonic音乐，都是建立在”音集“(set或者collection）理论上的。这个”音集“，就是把一个音高组合的材料数字化，然后再去用各种方式进行变形和”变奏“来发展。另外，不论是十二音的完整matrix，还是octatonic的音阶的移位，还是梅西安自己的有限移位调式，只要涉及到调式或者音阶的移位(transposition), 那都是和数学紧密相关的。另外一些音乐创作手法比如新复杂主义，根本性的构思就在于更加多变的音符时值比例，乐谱都是这样的。

只要是以音程和音阶及其移位作为基本的音乐理论基础和创作素材的音乐作品，都是和数学思维紧密相关的

楼主首先说您的问题有一些不够明确~~

首先说应用应用什么样的音阶写音乐都要明确你要写的是调性音乐或是无调性音乐~也就是说8音音阶是可以写调性音乐~同样也可以写无调性音乐的~~

如果是调性音乐的话如果要想知道具体调性跟主音的话就要看作曲家具体在那些音上构建主属关系（注意是主属关系，而不是主音和属音）通常这样的调式写做都有一定的临时构建的主属关系~或是用临时构建的主属和声~或是直接以复调或是序列片段来反复强调某一调性~~（序列音乐写作不一定就是无调性音乐写作）比如说以楼主第一个音阶的c做主音来临时构建一个主属和声的话就可以是c#f#g为主和弦gc#d作为属和弦~当然如果你认为这样比较牵强的话我可以说一个比较实际创作的例子~~我以前曾经用过这样的8声音阶写作过~因为这种音阶的理论由来是用两个减七和弦叠置而成的（例c#d#fa跟df#gb互相交叉而成的音阶）~因此你就可以在同一音及上有两种音阶的排列~这样你就可以以同一音及不同音阶构成主属~也就是说可以用你第一个例子整个音阶做为主系列的和声来源~而第二个作为属系列和声来源~~同样的~我门也可以用刚才我说的方式用第二个音阶里的唯一的大三和弦或小三和弦来构建主和弦ceg跟c#dg这样就钻了这个对称行音阶的空子~形成与传统调性音乐一样的主音和声~而剩下音及无论怎样都可以看做是倾向于这个大三或是小三待解决的功能了~~~当然如果你够巧妙也可以同样在第一个音阶里找到如大46和弦~小46和弦~~~也就是以f为主音的主和弦的转位来为c做主和弦~~其实里面你可以找到许多传统的类似三和弦~46和弦的东东~然后配在独特的对称音阶做的旋律下~~也不无传统浪漫派后期的美感~~~然后在展开部突然又以类似c#f#ggc#d为主属和弦~~又可以无限的机械化的展开~~是相当不错的反差感跟戏剧性的描写~~

至于说梅西安~~我认为这个音阶对于他来讲只是5声~六声 ~七声音阶的一种理论延续罢了~~他所以有8声音阶是因为在于探寻各种音乐基础手段和理论声的人为手段能达到的各种音乐语言的效果~而并非单纯的用只是应用某一种音阶在写作而已~~

最后还要补充的是~·你能最长见到的这种减音阶在调性作品中应用的应当是在卡普斯汀的作品中吧~~~因为减音阶是爵士音乐中最长见到的应用~~他甚至普通的不能在普通~~~你只要在谱子上看到c减七和弦的符号~你就可以直接应用以上随便那一种来即兴演奏~~~甚至如果你的c减七和弦的时值足够长的话~你也可以两者都用~~~